臺灣現代畫家的花卉畫

-1-李梅樹

文． 楊佳蓉

李梅樹  勺藥

    花卉的靜物畫在一般觀念裡，是一種模仿真實花卉的繪畫形式，柏拉圖（Plato，前427－前347）和亞里斯多德（Aristotles，前384－前322）曾經提出「模仿說」，認為模仿包含「外形的再現」（literal representation）與「性格或情感之再現」（emotive representation），以花卉為題材的畫家，除了藉花卉來演練繪畫技法，或者當做一種裝飾畫，拿來做為空間的陳設，滿足視覺的需求；還有些畫作是表現花卉的隱喻或擬人化的神韻，甚至反映畫家的內在性靈和情感。

另外，模仿意謂存在於作品和對象間的相似性，法國理論家丹納（Hippolyte Adolphe Taine，1828-1893）覺得：完全的模仿無法產生美感，絕對沒有人拿攝影作品與繪畫創作相提並論；因此，模仿是一種對智慧、經驗、情感的重新演練，藉由模仿使藝術的生命得以延續；花卉繪畫製作得再逼真，也比不上花卉本身或攝影作品來得逼真，然而畫家憑著花卉寫生，不斷的對花卉進行模擬，以藝術的形態呈現出來，這就是花卉繪畫迷人之處。

    臺灣的現代畫家繪製不少花卉的靜物畫，本文以前輩畫家李梅樹、郭柏川、郭雪湖為例，賞析風格相異、美不勝收的花卉畫傑作。

李梅樹的花卉畫

1902年李梅樹出生於台北三峽鎮，受父兄影響至深，一生對繪畫志趣、藝術活動、政壇事務、美術教育和三峽祖師廟重建非常投入，具有多種社會公認的角色，擁有多種特別才華和成就，因而倍受尊敬；在臺灣前輩畫家中，其藝術與本土風物結合的獨特風格，融匯成個人的生命情感，顯得很特殊。

李梅樹堅定理想，從事美術創作終生不輟，留下許多可貴的作品。李梅樹創作早期約指日據時期，也稱為外光派時期，即印象派(Impressionism)的繪畫形式，1927年的《靜物》入選第一屆臺展，1940年的《花與女》分別入選第日本四屆文展。中期約為戰後到1977年，也稱為台灣本土時期，繪畫創作直接取材自台灣素材。晚期為李梅樹病後一直到1983年逝世為止，可稱之為回歸自然時期，《秋到樹梢》(1981)等皆為晚年作品，表現所體驗的大自然光線的絢爛變化。

李梅樹的《芍藥》大約是1940年所畫，和《花與女》同一年代。構圖上瓶花充滿全部畫面，花朵的安排具層次感，色彩渾厚深沉，豐美的芍藥花朵有紅色和白色，在暗綠的襯托之下，顯得明麗靈活，整幅瓶花予人幽雅溫潤的感覺。李梅樹這期間的畫有著學院美術的經營形式和氣氛，構圖簡明，筆觸活潑厚實，明度較暗，色彩濃鬱，紅和綠形成互補色，白色的花朵上也參進紅、綠，既有變化又有統一性。

《玫瑰一》(1954年)和《茶花》(1965年)是李梅樹於中期戰後的作品，玫瑰和茶花都是畫家喜歡的花卉。玫瑰畫面較為舒展，筆調暢快，構圖上暖色系的花朵聚集，綠葉變少，藍綠色的花瓶上畫出花鳥，色彩顯得豐富。茶花的造形逼真，花瓶上的線條較為寫意，畫面花朵色彩豔麗飽滿。李梅樹這時期的畫依然秉持寫實的風格。

玫瑰一

茶花

1929年李梅樹考取「東京美術學校」，師事日本畫壇大師——長原孝太郎、小林萬吾及岡田三郎助等人，因而寫實風格奠基深厚。李梅樹的繪畫大都取材自周圍熟悉而真實的環境，尤其是故鄉三峽的風土民情，他的人生可說貫徹履行寫實主義的理念，在&<畫家的自述—一甲子真善美的追尋&>(1982)此文中，八十一歲的李梅樹說:

在 日 本 求 學 期 間，雖 然 正 值 野 獸 主 義 等 繪 畫 思 潮風 行 日 本 畫 壇……堅 決 肯 定 自 己 所 喜 好 的 寫 實 創 作 風 格.。五 十 年 代，國內 抽 象 繪 畫 風 起 雲 湧，但 這 一 切 都 不 足 以 搖 憾 我 的 信 念……。

李梅樹崇尚寫實主義，拒絕理想化，也拋卻抽象和變形，在現代各種美術流派爭奇鬥豔之際，益發顯得珍貴。寫實主義（Realism）源於十九世紀，代表畫家庫爾貝(Gustave Courbet，1819-1877)堅持：繪畫的旨趣須與畫家平常生活所觀察有關。社會趨向物質化、現實化之時，畫家認為要去描繪平民生活，不需加以美化或理想化，甚至去擷取貧困階層的醜陋事物，捨棄賞心悅目的題材。

《玫瑰二》為1978年所作，李梅樹於晚年仍然繼續畫花卉，其晚期的作品，表現重點在光線上，畫面上的玫瑰沐浴在陽光中，已不見晦暗，映入眼簾的盡是明朗的光線，讓欣賞者感受到燦爛的花卉之美。這時光線之於李梅樹已成為一種主觀的技巧，而不再是客觀的鋪陳，光線留住了畫家當下的感覺；畫家走進畫裡，完全自由的描繪光線，此時的李梅樹回歸自然，表現人生體悟後之內在怡然感受。

玫瑰二

 摘自:楊佳蓉--臺灣現代畫家的花卉畫——以李梅樹、郭柏川、郭雪湖為例 (中華花藝文教基金會&<花藝家&>期刊No49)2004.6

圖片:取自 "李梅樹紀念館"