專業繪畫研究、教學油畫創作

公共藝術

藝術創作的過程，猶似生命發現之旅。意外，又意料。
對我來說，創作是感性的由生、是內在生命調性不斷親臨和流露的歷程；也可說，是一種凝聚與鬆釋交互的形式體現。
習畫二十餘年，一路即使曾有心境的茫然、低迴，亦不曾後悔以藝術面向面對生命課題的道路。
儘管它是主體的「複製品」，但仍是最具臨場感，而成為內心表白的首要選擇。
近年，情性、思想方式與方向的遞變，促使生命與創作的聯繫及對話日深。
其間，創作過程經歷了八○、九○至一○○年代，從自身處境、台灣美術生態的觀察，
延伸至對西方現代、後現代美學判準的反思與批判中；逐漸由非預設的情理思索和實踐──回視東方傳統美學精神之探討與吸收。
即情感、精神表現由理性分析轉趨內在性的整體感悟，靈性提昇等終極和諧之體現。
相契合的思想，則是「原形」與「異象」的遇合。期盼，以務實的實踐承繼古典傳統精神，藉現代形式語彙的可能性而活化其表現。
如何回歸人的生命本心與共性，由內在建設凝聚質地，轉化外在的反思與批判，是近年自我創作中面臨的重要功課。
其所呈現的內在精神和有機自然的意象，是我和東方性情感覺遇合的基調；「原形」．「異象」系列則是異質同構、殊途同歸的側面罷了。
這些形態，或靜或動地以不同殊相體現內外之間的感興和內在聯繫。在依稀間，藉「模糊」氛圍所探索的，是日益明晰的內在生命調性。
若有「風格」可言，應是調性而非外相的統一。
溯源此發展，來自長期誠懇、坦摯地面對內外課題，和生命明暗的呼吸、幽微滋味後的聚現。
從不斷觀照和覺察生命與時代、社會文化的良性趨往，進而保持鮮活的心性和自在的實踐，創作時方能成為源源的能量流露。
否則形式與媒材的外在前衛或趨勢；在概念性圖象的手段及策略式挪用，終究會落入形式化複製與意識型態之慣性詮釋，衰頹之因，便是情感的斷層和思維的僵化。
繪畫，是人類理想和感情的一種表現形式，就其目的和本質來說，原無中西之分。
中西繪畫不同的只是表現方法、手段。方法和手段的長期累積，形成了體系。
體系之間有相互排斥與抗拒的一面，也有相互融合和吸收的一面。
前者應該是表面現象，後者是自然的、多變的，它反映了事物發展的本質趨勢，並成為一種強韌的力量，推動藝術生生不息地向前發展。
這是因為融合和吸收並不意味著自我的消失而異化為他者，而是取長補短，促進自身的完善。
二十多年的創作路程，一路走來，深覺「藝術需要形象，需要技巧，但更重要的是心靈的感情，一種勃動的生命力，一抹富有自信的色彩」。
我想正是基於這種思考，才敢於「不擇手段」，別開生面，敢於非工非意，敢於亦工亦意的塗抹、構織、描繪，
敢於將線、形與色彩大膽穿插、對映，敢於在民族繪畫的筆墨規範與西方現代藝術的夢幻創造與構成意識之間自由的遨遊，
創造出富有詩意的繪畫語言，形成獨特的、有表現力的藝術面貌。
我的繪畫較重視繪畫的關照，在題材的選擇上沒有很嚴格的限制。
舉凡人物、靜物、風景、動物、物象等，都能進入畫面。
然而這些主題性的表現對我而言，並不很重要。題材充其量只不過是畫面構成的要素。
色調的處理，線與面的結構經營才是創作意圖之所在。所以題材對我而言是次要的，或者只是一種借用。
真正要的是作品的形體所呈現出來，屬於自己的詩意與激情的生命。因此，我的作品在本質上可以說是形體優勢於主題。
形與色是繪畫的命脈。面對大自然或身邊的一切事物，我把它還原於形與色的結合，同時發揮這些造形要素固有的生命與表現力，以形和色來表達自己的心聲。
我的色彩是依感覺與畫面的需要，不斷地改變，循序漸進地去找尋畫面的韻味與美感。
因此畫面出現的色彩往往是自我的色彩，而非自然固有色。在色彩的運用上，我亦很注重色彩的照應關係。
物體的色彩經常打破界線，跑到其他物體或背景上去。相反地背景或天空的色彩，亦會跑到前面的物體上來。
繪畫不在於求「形象」，而在於表現「意境」。我的創作思維是在於理性與感性維持均衡和諧下，追求繪畫的意境。
也就是說，以奔放厚實的筆觸和強烈深沉的色彩打動觀者的心弦，進而以分解之造形和嚴密組織的畫面，使人沉靜、思索。
我的風格就在於追求原形與異象，感性與理性相互和諧的境界中，敘述對自然的感受和幻想與見解。
每一次個展都是成果的展現，也是心靈的挑戰。總希望經營出來的畫境，都能完整的詮釋美學，表現出「和諧」與「秩序」。
我埋首於創作，腦筋裡卻有個理念一直堅持著，
那就是：「作品要先感動自己，才能感動別人。」觀者和畫者之間，實際上是可以畫上等號的。
創作者有嚴謹的心路，欣賞者有嚴肅的審美要求，繪畫創造中重要的是感覺。審美學實際上是一種感覺學。
繪畫的魅力在於作者感覺的細緻性與豐富性以及它們頗具分寸的表達。自信地走自己的路。
這路仍將漫長而坎坷，但只要沉著、堅毅、冷靜，這路總會越走越寬，越走越接近目的。